AI是刀，IP是盾，影院是最后的战场
文 | 羊羊
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四月，北京的春天如期而至，电影的春天来了吗？
上周末，第十六届北京国际电影节刚刚闭幕。10天时间里，来自全国、全世界的电影人齐聚北京，畅聊电影行业的现状和未来。
极客电影作为北影节的“专业内容合作伙伴”，全程参与了今年的活动。
北影节历来都是电影人各抒己见的大舞台，今年他们聊了什么？
实话说，现在的电影行业有点冷，活跃在行业一线的电影人们如何判断今年乃至未来几年的行业趋势？
投资人、制片人、发行人、导演、编剧、摄影师、演员……他们共聚一堂，聊生产工具的颠覆（AI）、商业模式的重构（IP）、消费场景的捍卫（影院）……他们的观点有些是冲突的，有些又呈现出高度统一的指向性。
应该说这些话题并非特别新颖，但今年聊的内容明显更加聚焦和深入了。
如果说以前还是坐而论道，现在大家则是带着实践的成果在聊，带着下一步的计划在聊。
变革正在发生，成果很快就要显现。
01 生产工具的颠覆
在今年的北影节，最热的话题无疑是AI，几乎已经到了言必谈AI的程度。同时，AI也是所有话题中争议最大的。
在行业最艰难的时候，遇上最具颠覆性的工具，兴奋和恐惧必然相伴而行。
爱奇艺CEO龚宇是今年北影节旗帜鲜明地支持AI的代表人物，他认为当前影视行业面临的核心问题之一是成本过高，导致投资亏损成为大概率事件，而AI正为解决这一问题提供了重要机遇。
他预测未来1到3年内影视行业将大规模应用AI，制作成本有望降至原来的三分之一，甚至十分之一以下；未来3到5年，院线内容成本也会明显降低。
成本下降将吸引更多创作者和投资，催生更多作品，带动用户消费，从而扩大整体市场规模，形成正向飞轮效应。
爱奇艺CEO龚宇认为AI很快就会改变整个影视行业的面貌
博纳影业已经成立了AI制作中心，并推出了全国首部获得广电总局网络视听许可证的AI科幻短剧《三星堆：未来启示录》。
博纳影业副总经理曲吉小江从制片的角度肯定了AI的价值。
她坦言，AI极大地降低了项目的试错成本，让原本需要数亿投资、极具风险的宏大题材得以快速跑通。她认为，面对国家大力支持人工智能+的战略，影视行业没有必要讨论。
我认为就赶紧做，比谁做得快。就像当年我们研究“两弹一星”的速度，你就得快点。
编剧、导演俞白眉（《中国乒乓之绝地反击》《银河补习班》）将AI的出现比作“小行星撞地球”，认为其冲击力远超工业革命。
作为初代网红和网络作家的他，对“平权”的力量深有体会，并大胆预测：
我认为很快中国会有6亿、8亿人参与创作，因为太容易了。
他提到近期火爆全网的“酱板鸭”相关AI作品，指出这是一种人类从未有过的创作方式：它是无数个素人，不断地往里面添柴加火，形成的一个怪异的艺术体，展现了传统影视中没有的趣味。
“酱板鸭”引发全网AI共创潮，俞白眉认为这是一种人类从未有过的创作方式
作为执导过《人生路不熟》《沐浴之王》《万万没想到》等多部电影长片的导演，易小星参与创作的AI作品《女娲之死》刚刚拿到B站首届AI创作大赛开放赛道三等奖。
尽管在两个领域都做出了成功的尝试，易小星却明确反对用AI来主导电影创作。
他指出，电影应该是一个手工艺品，而不是流水线产品。
你现在告诉我整部电影是300元拍完的，让我掏100块钱的票价去看它，观众肯定要骂街。如果电影给人的感觉是它很便宜，那我为什么要花这么多的钱去看它？
俞白眉也表态坚决反对“用AI做电影”的概念，认为新技术应服务于全新的艺术形态，而非用来简单复刻传统电影。
他直言，观众不愿意去电影院看AI电影，若只是利用AI低成本快速生产内容，企图以廉价制作换取影院票房，将是对观众的不尊重。
编剧张珂（《志愿军：浴血和平》《南京照相馆》）指出，AI将彻底颠覆金字塔底部80%的消费级内容（如漫剧、短剧），但对于头部电影，最核心的竞争力反而将变成“活人感”。
贾樟柯认为，在AI进入创作的时代，发出指令、把握风格与叙事走向的人依然可以被视为“作者”。
传统电影的珍贵之处在于人与人之间的共创——导演与摄影师、演员、美术等各部门进行情感与灵感的交流，以及与自然环境、天气的即时碰撞，这是单一或少数人借助AI工作难以复制的。
贾樟柯认为使用AI创作同样应被视为“作者”，但他更加珍视传统电影多人共创的模式
最近，爱奇艺宣布将推出AI艺人库，依托其“AIGC制作平台纳逗Pro”，通过艺人授权肖像、声音、表演数据生成数字分身。真人演员是否应该授权AI的相关话题迅速登上了多个热搜。
北影节“新浪潮论坛”上，演员吴汉坤（《封神》系列）明确表示，不愿意将自己的脸授权给第三方AI平台，因为AI无法赋予角色真实的生命体验和随机的“小瑕疵”，而这些瑕疵正是表演的魅力所在。
表面上看，大家对AI的看法各有不同，甚至充满矛盾，但其实中间蕴含着朴素的共识：AI是强大的辅助工具，而非主导者。
著名摄影师赵小丁表示，AI能将工作效能呈指数级提高，但真正纯主观的意识和独特的审美品位，依然需要核心艺术家的参与。
人工在前，智能在后。
著名摄影师赵小丁强调“人工在前，智能在后”
博纳影业副总经理曲吉小江提出了一个名为“灵智共创”的概念。
她认为“AI电影”这个词是错误的，因为AI不能独立做电影。真正的未来是“灵”（人类的灵感、灵魂、初心）与“智”（大模型的智能）的结合。
在她看来，AI时代，人的岗位并未消失，只是重心从执行滑向了判断。
02 商业模式的重构
如果说AI解决的是“怎么拍”的生产力问题，那么IP讨论的则是“怎么活”的商业模式问题。
在今年北影节的各大论坛上，一个残酷的现实被反复提及：单一的票房经济已经无法养活庞大的电影工业了。
年初，光线传媒董事长王长田给公司的内部信中就提出“一切为了IP”的观点。在北影节期间，王长田再次强调了这一观点。
他指出，西方主流电影公司的票房收入只占30%，70%来自版权、授权和衍生品。而在中国，90%以上的收入依赖票房，这导致行业长期处于亏损状态。
因此，电影公司必须向IP运营转型，将电影视为IP的起点，通过续集、剧集、游戏、主题公园等方式持续开发，做20年、30年甚至上百年的长线布局。
光线传媒董事长王长田提出“一切为了IP”的观点
紫荆影业副总经理李挺伟用经济学原理解释了这一现象。
他指出，电影产业具有“乘数效应”——核心制发放产业虽然只有2200亿产值，但带动了3400亿的周边效益（吃住行游购娱）。在注意力被严重分散的今天，必须用IP的“乘数效应”来对抗注意力的“除数效应”。
那么，在当下究竟该如何打造并运营好一个电影IP呢？
李挺伟强调，如果电影本体这个“1”立不住，后面加再多衍生品的“0”也没有意义。电影必须具备视听艺术的震撼力和情感共鸣的穿透力。
爱奇艺CEO龚宇也直言，影视公司最大的资产就是IP资产，但只有高价值的IP才有衍生业务的基础，核心是高质量的情绪输出。
《浪浪山小妖怪》的导演於水以自己的作品为例，分享了经典IP的改编经验。
他表示自己极度反感“魔改”，于是他选择在尊重《西游记》原著脉络的基础上，寻找“小人物”的新视角。这种既熟悉又陌生的反差感，是老IP焕发新生的关键。
《浪浪山小妖怪》导演於水解读，影片致力于在经典IP身上寻找“新视角”
上海电影集团董事长王隽分享了《浪浪山小妖怪》商业成功的秘诀。
这部作品在上映前就规划了800多款衍生产品，从咖啡到智能汽车，从文具到卡游。同时，他们还同步开发了VR电影，在全国布设了100个点，让观众在看完电影后能继续“玩”这个IP。
这种将内容赛道与消费赛道同步推进的策略，最终创造了25亿的GMV（商品交易总额）。
宣传营销专家郭栋楠以《我，许可》为例，指出其成功的线下广告牌投放，正是通过“我许可，我想做的事情都能被许可”这类普适性情绪文案，引发了观众的自发拍摄和二次传播，实现了营销前置。
《我，许可》的情绪文案引发了观众的自发拍摄和二次传播
伴山文化创始人郑林指出，未来的电影播出不再是终点，而是起点。
创作者需要像运营短视频博主一样运营电影角色，让角色在电影下映后依然通过社交媒体、短片等形式与观众保持日常互动，培养长期的情感羁绊。
登峰国际作为《流浪地球》系列的出品方之一，CEO刘开珞坦言，《流浪地球》系列每部相隔4年，中间与观众的互动是有缺失的，恰恰需要通过衍生品、社交账号等方式增加互动频次，维持IP热度。
登峰国际CEO刘开珞坦言，《流浪地球》这种间隔特别长的系列作品，非常需要与观众的高频互动来维持IP热度
03 消费场景的捍卫
当我们在手机上就能刷完一部AI生成的漫剧，当流媒体平台提供了海量的高清资源，电影院还能活下去吗？
这种焦虑已经在行业内弥漫了很长一段时间。实事求是地讲，院线电影正处在一个艰难的低谷期，北影节的与会嘉宾们也毫不讳言地指出了许多院线电影创作和运营上的问题。
编剧张珂坦言，现在的电影在“社交属性”上做得太差了。年轻人看一场演唱会可以发30条朋友圈，但看一场电影却凑不够九张图。如果电影不能提供充足的社交分享欲望，在争夺年轻人注意力的战争中就会败下阵来。
《人生大事》《出入平安》导演刘江江也表达了创作上的焦虑，他认为创作者需要思考：
为什么大家需要到电影院里面去看这个片？还有就是，除了待在电影院里面的90分钟或者120分钟，还能从电影院里面带回什么东西？
导演刘江江认为，电影人除了埋头创作，应好好思考如何吸引观众走进影院这个问题
清华大学教授尹鸿指出，电影院正面临着替代产品的严重冲击。
微短剧用更便宜、更便捷的方式满足了观众对“爽感”的需求。如果电影不能提供与微短剧截然不同的复杂性和独特性，观众就没有理由走进电影院。
清华大学教授尹鸿提醒，电影正受到微短剧等其他类型作品的猛烈冲击
然而，绝大多数资深电影人依然对影院的未来投下了信任票。
中国电影评论学会会长饶曙光坚定地表示：
电影这面红旗到底能打多久？我非常负责任地告诉大家，电影一定会万岁。
为什么电影院不可替代？北影节嘉宾们从技术和心理两个层面给出了答案。
从技术层面看，影院提供了无可比拟的信息密度。
CINITY放映系统负责人边巍用数据说话：
现在播放的电影、最普通的电影，是250兆码率。换算成人话来说，一张画面传递的信息量是我在手机或者家里电视上看到的20倍。
配合高帧率、高对比度和沉浸式的声音包裹，这种视听震撼是任何小屏幕都无法复刻的。
从心理层面看，影院提供的是一种仪式感和集体共情。
摄影师赵小丁将去影院观影比作现场看体育比赛，那种几百人在黑暗中同频共振、暂时忘掉物理世界的“白日梦”体验，具有极强的不可替代性。
在“电影节电影表演公开课”上，周一围、潘斌龙等演员分享了他们的切身体会。
他们认为，电影院是一个独特的“暗盒”空间，演员的微表情、呼吸节奏与观众的凝视在黑暗中产生奇妙的化学反应，这种现场感是任何屏幕都无法替代的。
演员们从自身角度出发，也认为影院有其不可替代的价值
为了让观众重新买票入场，行业专家们提出了许多建议，其中最核心的有两点。
首先，内容端必须打造“影院的必看性”。尹鸿教授强调，未来的电影必须是独特的、差异化的，要成为一种“高档消费”。只有那些在视听语言和情感深度上做到极致的电影，才配得上观众付出的时间成本和交通成本。
其次，拓展影院的物理功能，拥抱“电影+”。边巍分享了许多影院已经开始实践的多元化尝试，例如在影院直播电竞比赛、新年音乐会、话剧等。通过提供差异化的现场体验，弥补非档期的内容空窗。
电影的未来放映场所，电影院是否仍是主要阵地？
导演贾樟柯的回答是：“希望是”。
最终要坚持的不是观众，是电影人。我们要坚持我们的电影在银幕上放映，我们应该第一批站出来捍卫电影院。
换句话说就是，拍出足以吸引观众的作品，并持续告诉大家大银幕的魅力。
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